Invitation à partir dans un pays où la réalité se fait poésie et douceur …
Des petites figurines réalisées par Isabelle Guiot-Hullot, en ficelle et papiers originaux, sur les thèmes du voyage, de la musique, de l’enfance, de l’amour ou, tout simplement, sur la vie et ses instants, petits et grands moments !
Un peu de fil de fer, du papier, un morceau de bois et sous les doigts habiles d’Isabelle Guiot-Hullot naissent non seulement de petits personnages mais aussi de petites saynètes pleines de poésie.
Le destin de la photographie se joue quelque part entre l’ombres et la lumières.
« Comment se fait-il que rien ne soit plus obscur que la lumière, quand il n’y a pourtant rien de plus clair, puisqu’elle élucide et fait connaître clairement toutes choses ? »
Marsile Fiscin
Entre ombre et lumière… » Eclaire ce que tu aimes sans toucher à son ombre «
La tatoueuse turque Eva Krdbk réalise des vignettes finement détaillées avec des histoires fantastiques à l’intérieur de chacune d’elle.
Les pièces encrées ne mesurent que quelques centimètres de diamètre, mais elles racontent des histoires variées et souvent fantastiques. Chaque tatouage est contenu dans un cercle, nous donnant un aperçu d’un moment dans le monde de quelqu’un. Ils sont manipulés avec une approche délicate qui rappelle les contes pour enfants vintages, et beaucoup de ses encrages représentent des contes dont le thème est un voyage à travers des terres inexplorées. Les volcans entrent en éruption, les escaliers mènent vers le ciel, et des portes ouvertes donnent sur des jardins secrets. Comme les pages d’un livre d’images, les tatouages de Krdbrk insufflent un sentiment d’émerveillement onirique dans notre vie quotidienne.
Aux plis arabesques méandres de ta peau, Tatouage à l’encre de vie de tes amours, Serpentent encore’ toutes les caresses de mots De tes amants d’un soir et de ceux de toujours.
Artiste de rue aux multiples talents, maître du trompe l’oeil, Pejac est né à Santander en Espagne en 1977. Il a étudié les Beaux Arts à Salamanque, puis à Barcelone.
Pejac fait partie des rêveurs, de ceux qui ne peuvent s’empêcher de voir le monde autrement. Son travail qui utilise le noir et blanc, pour une transmission plus neutre mais aussi plus efficace, traite de sujets tels que la liberté, la paix et le lyrisme, et revient souvent avec subtilité et intelligence dans les rêves surréalistes.
Contrarié par l’attitude élitiste de ses professeurs de dessin, Pejac décide de peindre sur les murs et dans la rue pour offrir et faire découvrir son art à ceux qui ne peuvent ou ne veulent pas visiter les musées.
Pour voir cet acte de « vandalisme », rendez-vous rue Édouard Manet dans le 13eme arrondissement de Paris. Il utilise bombes et pochoirs pour orner les villes du fruit de son imagination, aussi bien que le papier, le collage, les toiles ou encore les fenêtres de chez lui pour jouer avec le décor naturel et lui offrir une seconde réalité. Une vision inspirante marquée par une profondeur poétique parfois sombre.Sur un mur de Vitry sur Seine, Pejac a voulu pointer du doigt « les différents aspects de la cruauté inhérante aux êtres humains, même dans leur plus jeune âge »
« Je pense que souvent – plus ou moins consciemment – nous sommes ceux qui tiennent la loupe, comme la petite fille, et d’autres fois nous sommes ceux sous le brûlant rayon de lumière »
Né en 1964, Hirotoshi Itoh aka Jiyuseki est un artiste sculpteur japonais. Il suit une formation artistique à la Tokyo National Fine Arts University mais c’est en parallèle de ses études et de son travail dans l’entreprise familiale de maçonnerie, qu’il s’initie à la sculpture sur roche.
C’est non loin de sa maison, près d’une rivière, qu’il va, la plupart du temps, chercher son inspiration, partant glaner ses pierres et galets qui deviendront ces étonnantes sculptures à l’esthétique plus que singulière!
C’est un vrai magicien: il parvient à donner à la dureté de la pierre une impression de souplesse grâce de véritables illusions d’optique. .
L’illusion est totale et troublante. Les cailloux prennent vie de manière aussi étonnante qu’humoristique. Il trouve sa signature dans la fermeture éclair, qui donne relief et résonance à ses trouvailles. .
Il crée des sculptures improbables en pierres et roches, en injectant de l’humour et de la surprise dans un matériau apparemment têtu.
Dans certains cas, la vie éclate de la pierre, comme ses pièces populaires révélant une bouche humaine souriante derrière une fermeture à glissière en métal.
Ces portraits sont réalisés par le photographe français Réhahn qui a capturé les visages de personnes diverses principalement sur le territoire du Vietnam et de l’Inde. Tous ont une histoire à raconter, soit c’est un portrait d’un enfant de quatre ans ou d’une femme centenaire. Chaque photo est une histoire qui raconte mille mots.
Réhahn Croquevieille est avant tout portraitiste ; il voit dans les yeux des personnes qu’il photographie beaucoup de tendresse et saisit alors l’occasion de capturer toute la bienveillance qui se dégage de ces regards.
Le routard photographe ne voyage qu’à moto avec son sac à dos, ce qui lui offre la possibilité de s’arrêter où bon lui semble et d’aller à la rencontre des ethnies de tout le pays. Au Vietnam, on compte 54 ethnies qui ont chacune leurs coutumes et parfois leurs propres langues. L’homme ne manque pas d’inspiration et ne lasse pas de découvrir la contrée qui l’accueille. Réhahn amuse les locaux en s’essayant à la langue vietnamienne, et parvient ainsi à créer cette complicité qui l’amène à prendre son sujet en photo. C’est là que la magie opère.
Profonds comme deux puits Mystérieux comme la nuit Ils brûlent pour toujours Aux flammes de l’amour.
Légers comme une pluie Sous la lune qui luit Ils savent consoler Les esprits égarés.
En 1857, “les glaneuses” de Jean-François Millet fait scandale…
L’objet de la discorde : une classique histoire de lutte des classes.
Par un jeu de techniques graphiques simples mais parfaitement maîtrisé (jeu d’échelle, lumière rasante sur des glaneuses aux dimensions imposantes, visages cachés ne montrant pas la dureté de l’effort, vêtements colorés et propres, renvoi des signes d’opulence au second plan…) Millet met en lumière et au premier plan les personnes les plus misérables de la société : les glaneuses, celles qui ramassent ce qui reste dans les champs une fois que tout le monde est passé.
Lors de la présentation de la toile au public en 1857, la bourgeoisie est outrée, obligée de regarder ce qu’elle ne veut pas voir, obligée de porter son regard sur un monde rural magnifié par l’artiste peintre.
Un siècle et demi plus tard, le célèbre street artiste Banksy accroche dans le musée de Bristol une version revisitée du célèbre tableau. Par cette « sortie de cadre », il nous rappelle deux fondamentaux de l’innovation artistique.
– Aucun nouveau mouvement ne part de rien. Banksy recycle le pouvoir de subversion de Millet et en “rajoute une couche” : La glaneuse assise au bord du cadre, clope à la main rend la scène presque cool, et pourtant, glaner n’est pas glander.
– Innover, c’est “sortir du cadre”. Une image vaut mille mots. Ici le traitement est “premier degré”, brut, visuel… explicite.
Bien que n’étant ni fondateur ni précurseur de ce mouvement, le roi de la provoc’, Banksy, est aujourd’hui la star incontournable du street art. Il est l’un des artistes contemporains les plus connus de notre temps.
Quand il fait chaud, on se sait pas quoi faire de ses cheveux…
Rob the Original, lui, le sait : Il coupe, il rase, mais pas n’importe comment !
Rob est un coiffeur pas comme les autres du côté de San Antonio . Il ne fait pas n’importe quelle coupe . Sur le crâne de ses clients, il crée des paysages et des portraits, le plus souvent de célébrités. Des dessins tondus dans le cuir chevelu qu’il réalise en une quarantaine de minutes.
Résultat: des coupes de cheveux assez originales…
Tout a commencé il y a huit ans quand un enfant lui a demandé de tracer dans ses cheveux des petits tourbillons. À partir de ce moment, tondeuse et lame de rasoir sont devenus des pinceaux et une véritable passion pour le jeune homme originaire de Los Angeles.
Et quand Rob The Original, comme il se fait appeler, n’est pas dans son salon coiffure, il ne manque pas d’imagination. Sel, pastèque, hamburger, moutarde ou encore pare-brise, toutes les surfaces sont une source d’inspiration pour cet artiste.
Finalement, un chignon ou une queue de cheval, c’est pas mal aussi 🙂
Pour Valérie Hadida , tout a commencé par la sculpture, pour faire comme papa qui taillait le plâtre à la maison. : Elle adore ça !
Ces figures féminines multiples sont un regard hors temps, hors contraintes, hors normes. De l’adolescente à peine sortie de l’enfance, à la femme mature, elles sont toutes là pour nous rappeler le cheminement de la femme, des femmes. Fières ou faibles, en action ou dans l’attente, fragiles ou fortes, poussées par le vent de la vie ou s’arc-boutant contre ses vicissitudes, aucune ne laisse indifférent… Les “Petites bonnes femmes” de Valérie sont un émouvant voyage à travers l’âme humaine.”
Mais du haut de ses 17 ans, elle est lucide. Alors, quand elle passe son bac, en 1985, elle se dit qu’elle doit trouver un « vrai » boulot de dessinatrice qui lui laisse assez de temps pour sa passion.
C’est donc avec son autre talent, le dessin, que Valérie s’est faite une place dans l’animation.
Après avoir dessiné pour de nombreuses séries et longs métrages animés (« Les aventures de Tintin », « Chasseurs de Dragons » etc.), elle partage désormais son temps entre ses créations personnelles et son travail dans l’animation.
Son métier fait rêver les enfants. Les grands aussi, même s’ils ont souvent du mal à l’avouer.
Heikki Leis, illustrateur, portraitiste, photographe, sculpteur, est né en 1973 à Tartu, une ville universitaire dans le sud de l’Estonie. Il a vécu une bonne partie de sa vie dans sa contrée d’origine, où il fut diplômé en grammaire, puis en sculpture.
Depuis 2000, il travaille en tant que free-lance, et perfectionne sa technique de l’hyper réalisme, à grand coup de stylos et crayons cette fois, mais n’oublie pas pour autant son amour de la sculpture.
En 2004, il ajoute une corde à son arc, ça sera donc la photographie.
Qu’il s’agisse de ses portraits photographiques totalement décalés ou de ses portraits au crayon ultra-réalistes, tout dans son travail laisse transparaitre une identité forte et un indéniable talent.
Cécile Desserle est une artiste pop-rock par excellence. A la fois fidèle et rebelle. Fidèle à une éthique qui veut que la technique soit à la source, solide et irréprochable. Une fois cela posé, avec un talent et une dextérité rares, elle se lâche et improvise au gré de ses pulsions sensuelles et colorées qui disent tout de sa vie de femme passionnée. Sur la toile, elle maroufle soigneusement le papier sur lequel elle va travailler. Ce papier est l’épiderme de son œuvre. Elle pourra dans un premier temps le chatouiller du bout de ses pinceaux de maquillage qui ombrent de fusain broyé ses femmes jaillies d’un trait vif. Et ensuite l’humidifier, l’essuyer, l’abimer, l’arracher, le tremper, le coller. Elle aime jouer ainsi du sec et du mouillé. Après le va et vient concentré, long et appliqué du fusain vient le temps de l’explosion, du débordement, des collages et arrachages, des brulures et des giclures, du graphisme et des mots.
C’est un parcours d’une folle authenticité qui en quinze ans a mené Cécile Desserle des Beaux-Arts d’Avignon à l’univers d’Abdellatif Kechiche. Cinéaste toujours à l’Avant-garde, qui a déjà reçu plusieurs César (L’esquive, La graine et le mulet…), Kéchiche a trouvé en Cécile Desserle l’artiste qu’il cherchait pour réaliser les œuvres présentes dans son film « La vie d’Adèle », Palme d’or Cannes 2013.
De lui, Cécile Desserle dit : « Je savais que nous avions en commun ce désir de sensualité exacerbée, poussé jusque dans tous ses retranchements. Ce n’est pas de l’érotisme à l’état pur, c’est l’âme de la féminité même… Ce fut très intense. Il est aussi goulu que moi. » C’est vrai, avec Cécile Desserle, même le bleu est une couleur chaude.
Quand l’artiste australien Ben Frost utilise des emballages de junk food, de médicaments, ou même les timbres nazi de Dimitri comme supports pour ses personnages, ça donne ça :
Ben Frost est connu pour ses peintures kaléidoscopiques de pop art, mash-up qui s’inspirent de domaines aussi variés que les graffitis, les collages, le photo-réalisme et l’écriture des signes. Il crée un cadre visuel audacieux, confronté et souvent controversé.
En utilisant l’iconographie traditionnelle du monde de la publicité, du divertissement et de la politique, et en les recalibrant, il les retourne contre eux. Il a été exposé à travers l’Australie et à travers le monde au cours des 12 dernières années : en solo à Londres, New-York, Toronto, Singapour, Miami et San Francisco, ainsi que des expositions de groupe à Pékin, en Mongolie, à Amsterdam, à Berlin et à Chicago.
D’une mère artiste peintre et d’un père dirigeant d’une agence de graphisme, Matthieu Lainé dit Graffmatt, a grandi au sein d’une famille de créateurs ; et c’est donc tout naturellement qu’il a lui aussi choisi de s’orienter vers une formation dédiée aux arts graphiques. Artiste professionnel depuis 2013, installé dans la ville savoyarde de Chambéry, Graffmatt réalise ses œuvres en parallèle de son activité principale, l’infographisme.
Sa passion pour la peinture s’est révélée au travers de celle qu’il voue au Street Art et à la culture Hip-Hop. Fasciné par les artistes et leurs réalisations, Graffmatt descend dans la rue pour réaliser, in situ, de nombreux reportages photographiques. Il se sert ensuite de ses clichés comme sources d’inspiration, sans pour autant chercher à en reproduire l’exacte copie. Au contraire, au moyen de peinture acrylique, de feutres Posca, de bombes et de brosses, l’artiste décompose les images pour les réassembler selon sa propre interprétation.
Florian Nicolle est un illustrateur et graphic designer français dont les œuvres ont un style unique, utilisant souvent des tâches et laissant parfois les traits de construction apparents. Il fait partie de ces graphistes aussi à l’aise pour « gribouiller » derrière un écran que pour s’amuser sur une toile, pinceau à la main.
Après des études en communication visuelle à Tours, cet artiste de 23 ans s’est installé à Caen où il travaille désormais en freelance.
Sa maîtrise combinée des techniques digitales et traditionnelles donne naissance à de magnifiques portraits dans lesquels s’incrustent écritures de journaux, éclats d’encre et de peinture et effets numériques.
Il utilise des techniques artistiques rapides comme le bic, le gros pinceau, l’aquarelle ou encore l’encre de chines. L’utilisation du collage très présent dans ses compositions, ne se détecte pas au premier coup d’œil.
Preuve s’il en fallait que l’artiste fusionne à merveille les différents éléments artistiques utilisés.
Du style, des couleurs maîtrisées et en parfaite harmonie… Bref un régal visuel !
L’effet papier journal travaillé avec des tâches de café et de peinture, donne une impression vintage comme si l’on avait déjà croisé du regard l’œuvre de l’artiste.
Une tâche… Une griffure… Une empreinte… Des brisures … Un dessin saisissant… La perception du toucher… Un instant particulier… Une réflexion…
Création
Sur la vague D’une toile S’affaire l’artiste Se dessinent Un visage, un sourire Mille paysages Aux teintes pures L’éclat passager D’une saison D’un regard Sur la vague D’une toile Travaille la main Du peintre S’agitant, s’attardant Sur le rosé De la chair Le vermillon D’une lèvre Les mille courbes D’un corps
Johann Gosselet dit joh’ , est un artiste français, plasticien sculpteur.
D’abord passionné par le dessin, la peinture, la photographie et l’image de synthèse, c’est en 2009 qu’il découvre son medium en réalisant ses premières sculptures en métal.
Son univers est une interprétation poétique et rêveuse des temps modernes, dans un monde biscornu et rempli de mécanique. Ses personnages manœuvrent des machines mystérieuses, cherchant des réponses aux questions de la vie et luttant contre les états d’âme qui nous submergent parfois……. De « la ratisseuse de haine » au « mécanisme de l’inconscient », les créations de l’artiste semblent comprendre la logique intérieure de la vie. Avec aplomb et vision, ses créations, hommes ,animaux et objets,nous apparaissent comme animés, en quête de leur propre chemin.
Si l’artiste chauffe, tord et soude le métal, c’est pour mieux hurler ses révoltes comme la pollution de la planète.
Miles Johnston est un artiste londonien, en grande partie autodidacte qui a récemment déménagé en Suède .
Les personnages féminins qui habitent le monde de l’illustrateur semblent subir une transformation perpétuelle. Leur visage ou leur sont corps divisés en deux, ou leur aspect se transforme en formes organiques globales, incroyables et surréalistes.
Kenny Random est atteint du syndrome de Peter Pan, il anime la rue avec des créations enfantines, poétiques et colorées.
Son travail est mignon, original, invitant au rêve : de quoi attendrir les murs gris et sales manquants souvent de couleur mais aussi de féerie. C’est dans son pays d’origine, en Italie, en Padoue plus précisément, que l’artiste a décidé de laisser son empreinte atypique. Il saupoudre les rues de couleurs mettant en scène des dessins pour enfants où nous retrouvons souvent la silhouette d’un homme.
« Grandir apporte tellement d’inconvénients… et de poussées d’boutons !«
Peter Pan
Le street-artiste portugais Artur Bordalo (aka Bordalo II) a réalisé une série de créations en 3D grâce aux ordures et aux objets trouvés dans la rue.
Des street-art colorés, créatifs qui nous emmènent dans le recyclage poussé. Il y a tous les jours des milliards de tonnes de déchets créés. Alors pourquoi ne pas les recyclés intelligemment ?
Les artistes adeptes du détournement urbain font naître une réalité parallèle dans la ville, en tirant partie de son architecture, de ses accidents, des objets ordinaires qui l’habitent. Ils ont l’art de déceler une silhouette dans un banal poteau, une banquise au bord d’un égout, une fenêtre dans un mur de brique. Ils savent métamorphoser un espace publicitaire en parenthèse poétique, faire naître un sourire d’un panneau signalétique. Ils n’ont pas oublié les rêveries de l’enfance, la magie d’un œil à l’affût, qui transforme et construit une histoire sur un détail infime.
Sur les murs,sans cesse remis à neuf, toutes sortes de traces, inscriptions, dessins, peintures apparaissent puis sont sur-chargés, effacés, re-commencés au rythme des pulsations du corps urbain. Sans trêve ni fin, ils se dégradent, évoluent : ils se transforment. C’est de leur fragilité qu’ils tirent leur plus grande force. Ils vont… Ils viennent… Ils se logent dans tous les recoins… Ils font tout pour se faire remarquer comme la vie… Ils résistent aux ordres parce que tout ce qui vit est mouvement.
Picasso :« Le mur est quelque chose de merveilleux, n’est-ce-pas ? J’ai toujours prêté une grande attention à ce qui s’y passe. Quand j’étais jeunes,souvent, j’ai même copié les graffitis… Et combien de fois ai-je-été tenté de m’arrêter devant un beau mur et d’y graver quelque chose… Ce qui m’a retenu c’est que… » Brassaï : « … Vous ne pouvez pas l’emporter… » Picasso rit : « Mais oui, qu’il faut le laisser là, l’abandonner à son sort… Les graffitis sont à tout le monde et à personne.. »
Brassaï. Conversations avec Picasso ( Gallimard 1964)
Plonger dans les toiles colorées de Virginie Matz, c’est se promener dans un monde empli de gaieté habité de personnages rieurs, demoiselles charmeuses, qui inspirent la joie de vivre !
Animée par la peinture depuis son plus jeune âge, elle a su trouver son univers pictural, en manipulant la couleur et la matière de manière instinctive,
À travers ses scènes, elle nous parle d’amour, d’amitié, de la vie…
Né en 1991 à Vichy, Julien Durix se consacre à la peinture depuis 2012. Après deux années d’études artistiques, il s’est rapidement lancé dans une pratique plus personnelle, qui met en scène les personnages de ses rêves d’enfant.
Les héros ponctuent ses toiles depuis toujours. Il peint comme il respire, et dans ses œuvres pleines de force et de dynamisme les super-héros prennent le pouvoir et nous transportent dans leur monde imaginaire. Ils nous invitent à les rejoindre dans leur univers léger et coloré. Chaque œuvre de ce jeune artiste est une histoire
Julien Durix s’amuse à mêler les époques et les personnages, pour mieux nous transmettre le regard de ses super-héros sur notre monde actuel. Dans ses toiles, seules la tendresse et la poésie comptent. Les peintures acryliques de cet artiste, esquissées avec minutie, ne font appel ni au collage, ni à l’impression. La précision de sa touche fait ressortir les couleurs avec vivacité et souligne les traits des figures. Il fait preuve d’une inspiration inépuisable, d’une technique proche de la perfection et d’un vrai talent, d’ores et déjà reconnu. Il s’impose ainsi dans le paysage de l’art contemporain comme un digne héritier du Pop Art.
« Ce qui a vraiment un sens dans l’art, c’est la joie. Vous n’avez pas besoin de comprendre.
Ce que vous voyez vous rend heureux ? Tout est là . «
Constantin Brancusi
